Cannes 2022: i momenti salienti del ritorno del Festival del cinema leggendario

Il consenso generale di coloro che hanno partecipato al Festival di Cannes 2022 era che le selezioni erano 'buone'. Molti chiacchierando in fila attendevano con ansia un film di successo, scoprendo che le anteprime dei maestri e dei nuovi arrivati ​​erano nel migliore dei casi deludenti, nel peggiore deludenti. Questi proclami sono, ovviamente, separati dai capricci della giuria, per non parlare delle decisioni generalmente arbitrarie di includere determinati titoli in una competizione ufficiale o di relegarli in un'altra sezione o barra laterale.

Il tempo ci dirà se la continua presa di posizione sul coinvolgimento di Netflix con il festival sta influenzando la qualità generale, ma date le recenti turbolenze finanziarie in quella società, potrebbe esserci una lunga partita in gioco qui. Tuttavia, non ci sono state nemmeno versioni importanti da nessuno degli altri streamer. Il risultato finale potrebbe essere che accatasta artisti del calibro di TIFF, Telluride e (soprattutto) Venice con una sfilza di titoli eccezionali. Il centro dell'attenzione si sposta ancora più fermamente sui festival autunnali?

Tutto questo digrignare di denti smentirebbe il fatto che c'erano delle gemme da trovare sulla Croisette, soprattutto se hai scavato in giro. Prendere 'Joyland,' che ha suonato in Un Certain Regard e ha ricevuto un Premio Speciale della Giuria (meritava anche di più). Il primo film pakistano ad aver mai suonato al festival, lo straordinario debutto di Saim Sadiq è così tonalmente preciso e ricco di performance e narrativa che sembrava quasi criminale come fosse al di fuori della considerazione della maggior parte delle persone.



L'inquadratura di un uomo su uno scooter, con la faccia sepolta nell'inguine di un gigante in piedi, è la prima cosa che mi ha attirato nel film. Il pilota è Haider Rana, interpretato con grande sensibilità e conflitto interiore da Ali Junejo. Vivendo con il coniuge combinato Mumtaz (Rasti Farooq), il padre (Salmaan Peerzada), il fratello (Sohail Sameer) e la cognata (Sarwat Gilani), la famiglia forma una stretta unità sociale in cui i ruoli di genere sono leggermente fluidi . Mentre Mumtaz lavora come truccatrice per le future spose, il disoccupato Haider lava i piatti e si prende cura dei bambini, con grande dispiacere di suo fratello e del patriarca.

Quando un amico dice che c'è un lavoro disponibile in un teatro locale, Haider incontra Biba (Alina Khan), una ballerina con un seguito di ragazzi che ballano dietro di lei durante l'intervallo. All'inizio, il fatto che sia transgender non sembra commentato, ma le considerazioni più sottili della società conservatrice pakistana vengono gradualmente alla ribalta.

Da qui, quasi tutti i preconcetti che hai sul Pakistan e sul suo cinema sono capovolti, ed è difficile non credere che ci sia un grado di coraggio politico e sociale nel raccontare questa storia che va ben oltre quasi tutti i film presentati al festival. Ogni volta che temevo che sarebbe sfociato in una narrazione sdolcinata o prevedibile, le cose venivano sconvolte e la complessità di tutto ciò - relazioni sociali, dinamiche familiari, aspettative religiose e culturali, modalità della sessualità - veniva affrontata in modi sia sottili che profondi. È un film davvero indimenticabile e una vera scoperta del festival di quest'anno.

Lo stesso si potrebbe dire per 'Ribelle,' Adil El Arbi & Bill Fallah è il film radicale sulla radicalizzazione. Meglio conosciuto dal pubblico occidentale per aver diretto ' Cattivi ragazzi per la vita ”, Adil e Bilall hanno creato quello che è sicuramente il primo musical dell'ISIS, legando la sensibilità hip-hop alla storia drammatica, a volte ricca di azione, di una famiglia presa nella trappola di promesse non mantenute.

Kamal (Aboubakr Bensaihi) è un ragazzo punk rapper e motociclista dal tosto Molenbeek comunità a Bruxelles, Belgio. Quando le sue azioni criminali lo raggiungono, è costretto a fuggire, trovando una sorta di rifugio in Siria nella speranza di ricominciare. Capendo che le sue abilità con la realizzazione di video possono essere di utilità migliore rispetto all'uso di un'arma, si ritrova presto, fotocamera in mano, a catturare le atrocità del suo nuovo gruppo di compagni.

Suo fratello minore Nassim (Amir El Arbi), nel frattempo, inizia a tendere nella stessa direzione, con grande preoccupazione della madre (Ala Riani). Parla senza fiato con i membri di tutte le istituzioni che può, sia religiose che statali, ed è bloccata da coloro che semplicemente aspettano il risultato finale piuttosto che prevenire la tragedia prima che si verifichi. È una serie desolante ma straordinaria di azioni che racchiudono perfettamente le sfide delle circostanze che sono spesso semplificate per motivi di superiorità morale.

Mentre il film si svolge, le ipocrisie e gli inganni da tutte le parti si fondono. Il fatto che questo film riesca a intervallare gli eventi con il numero di ballo occasionale e l'aspra performance rap, senza cadere nel ridicolo, è una testimonianza dell'eccezionale capacità di Adil e Bilal di mantenere con i piedi i piedi per terra anche i momenti più importanti. La fusione di genere del film tra film d'azione, dramma sociopolitico e musical è fenomenale, risultando in qualcosa che sembra fresco, divertente e intensamente importante.

Se guardiamo ai registi più strettamente legati alla lista di Cannes, troviamo nel migliore dei casi un miscuglio. Claire Dennis è amata a questo festival e anche i suoi lavori più medi hanno raggiunto un livello di supporto come pochi artisti. 'Stelle a mezzogiorno' tratto dal romanzo di Denis Johnson , è un tale pasticcio che è quasi comico, ma non sorprende che la giuria abbia scelto di celebrare l'artista piuttosto che l'arte.

Il romanzo originale era ambientato in Nicaragua negli anni '80, nel profondo del conflitto sandanista, e questo racconto moderno allude a quel luogo anche se l'ambientazione panamense scelta sia per il COVID che per motivi di sicurezza non evoca del tutto l'ambiente appropriato. Margaret Qualley le dà tutta come Trish, che incontra Daniel ( Joe Alwyn ), una dipendente in abito bianco di una compagnia petrolifera, e la sua vita viene sconvolta quando i due entrano in contatto in modi torridi e autodistruttivi. Risparmia per un'assoluta bravura Benny Sadi come consulente/agente della CIA, la trama dal tono goffo e cupa diventa inavvertitamente comica. Le battute a metà coito come 'succhiami' hanno causato increspature di risate nel pubblico e la mancanza di scopo della trama lo lascia senza vita.

Nel frattempo, David Cronenberg è tornato in un territorio più familiare al pubblico Crimini del futuro ,” affrontare una storia di sessualità, orrore e abilità artistica in modi profondi e oscuri. Collaborare ancora una volta con Viggo Mortensen , così come simili di Don McKellar che viene severamente trascurato quando discute del film, Cronenberg ha rispolverato una sceneggiatura di qualche decennio fa su un uomo il cui corpo sta crescendo organi di nessun uso noto e usa la loro estrazione come una sorta di performance art. Supportato dal suo partner e musa Caprice ( Léa Seydoux in uno dei suoi ruoli più efficaci), i due feticizzano la chirurgia e si intrecciano in aggeggi selvaggi che consentono loro di tuffarsi negli angoli più oscuri del corpo e della loro psiche. Insieme a Scott Speedman e un'esibizione impegnata, lunatica e distante di Kristen Stewart , c'è molto da divertirsi qui. È un territorio familiare, ovviamente, e questa fusione di 'eXistenZ' con ' Incidente ,” “ Suonerie morte ” e altri lavori potrebbero farlo sembrare ricostruito. Eppure Cronenberg crea un film di risonanza filosofica e una sorta di ricerca spirituale, interrogando l'idea stessa di aggrapparsi disperatamente al passato invece di lasciare che la nuova carne prenda il sopravvento.

Christian Mungiu è un altro talento amato qui: il suo ' 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni ” ha vinto il primo premio della competizione nel 2007 e ha ricevuto altri importanti premi nel 2012 e nel 2016. È tornato con “RMN,” uno sguardo crudo all'identità e all'integrazione in una piccola città della Transilvania, dove numerose culture si scontrano e la xenofobia è tagliata in segmenti sempre più sottili. È una storia affascinante e ricca, con sequenze straordinarie, inclusa una ripresa statica di una riunione della sala della comunità. C'è molto su cui riflettere nella costruzione della storia e, giorni dopo, alcuni dei suoi momenti di tranquillità continuano a risuonare. Le sue metafore palesi sono troppo pesanti, ma, come uno sguardo indagatore alle contraddizioni di una comunità e al marciume generale nel cuore di un esperimento europeo (insieme alle sfumature della pulizia etnica), il film ha molto da ammirare.

Sono stato influenzato Kelly Reichardt l'ultimo film di 'Rivelando.' Il suo tono pacato e la fascia oraria in tarda serata facevano sì che fosse probabilmente trascurato da molti. Michelle Williams interpreta una donna di nome Lizzy Carr in questa storia di passività aggressiva e installazioni artistiche, un mondo di calzini e sandali in cui anche i comportamenti più lusinghieri sembrano essere allo stesso tempo competitivi e ridicoli. Hong Chau è fantastico nei panni di Jo, il padrone di casa/artista i cui complimenti a Lizzy sono sinceri e taglienti in egual misura. Sua mamma ( Maryan Plunkett ) impiega la figlia presso l'istituto, mentre il padre (un gradito ritorno di Judd Hirsch ) si compiace della pensione. Il suo tormentato fratello Sean ( Giovanni Magaro ) mostra apertamente come il confine tra un'installazione artistica e un buco nel terreno scavato in modo maniacale sia difficile da discernere al di fuori di un ambiente di galleria.

In un altro contesto, 'Showing Up' potrebbe suonare come un Cristoforo Ospite mockumentary. Eppure ogni volta che temevo che le cose diventassero troppo complicate, da un piatto di formaggi a un uccello potenzialmente distruttivo, Reichardt riusciva a tenere a freno le cose, mantenendo il tono perfettamente in sintonia con le stranezze di questi personaggi. Anche le discussioni sull'affitto e sui serbatoi d'acqua assumono un'intensità assurda ma tranquilla, culminando in un film che merita uno sguardo da vicino per ottenere il massimo dai suoi sottili piaceri.

Luca Dhont , l'ultima volta a Cannes con la sua Camera d'Or (miglior opera prima) vincitrice di “Girl”, racconta una storia bella e commovente di due giovani amici che iniziano a separarsi in Chiudere .” A prima vista, questo racconto di formazione sarebbe facilmente sminuito come una semplice trippa manipolativa, eppure il dono di Dhont è quello di fornire momenti di grande sottigliezza emotiva senza mai soccombere all'essere sdolcinato o apertamente manipolatore.

La capacità di Dhont di lavorare con nuovi talenti è ancora una volta evidente e la performance sottile e attenuata di Eden Dambrine nei panni di Léo è uno dei trionfi del festival di quest'anno. Gustav de Waele nei panni di Rémi è eccezionale anche in quello che è per certi versi un compito più difficile, dando vita al personaggio leggermente più diretto. È una triste storia di crescita e Dhont genera così tanta empatia per i suoi personaggi, sia i bambini che i loro genitori, che è facile credere nelle passioni e frustrazioni di queste storie che vengono catturate. È una storia ampia raccontata con notevole acutezza e sottigliezza sotto l'impalcatura narrativa, e credo che riceverà molto amore da coloro che sono aperti al viaggio che porta il pubblico.

Un altro film della lista dell'UCR è il rozzo e sfacciato 'Pony da guerra', Riley Keough e Gina Gammell vincitrice quest'anno della Camera d'Or. La storia dell'inizio del film è la parte più facile di cui parlare, sul set di South Dakota Andrea Arnaldo 'S ' Miele americano ”, Keough fece amicizia con due giocatori di supporto indigeni, Bill Reddy e Franklin Sioux Bob. Insieme ai Gammell, i quattro hanno trascorso molti anni a lavorare su una trama della vita nella riserva, basandosi in gran parte sulle esperienze reali vissute da Reddy e Bob. Il risultato è tonalmente impreciso con un'adozione quasi entusiastica delle peggiori qualità dei personaggi, non portandoci mai veramente nelle loro vite ma sentendosi invece molto più voyeuristico di qualsiasi altra cosa.

Lascerò ad altri dire se Keough e Gammell sono i migliori per raccontare la storia di Bob e Reddy sul grande schermo, ma le domande sulla rappresentazione su chi può raccontare le storie di una comunità come questa saranno in prima linea. discussione. In un'Europa che ha abbracciato a lungo le storie dei nativi americani con un fascino romanzato per il nobile e impoverito uomo della pianura in difficoltà, non sorprende che il film sia stato ben accolto. Sarò interessato a vedere come hanno risposto i membri della comunità Lakota, così come gli indigeni nel mio paese. Non vedo l'ora di ascoltare coloro che sono stati così espliciti e potenti su queste questioni vitali di identità e narrazione.

Una delle gemme sottovalutate dell'anno scorso è stata Jacques Audiard magistrale “Parigi, 13 th District”, un bellissimo film neo-Nouvelle Vague ambientato nella comunità multietnica delle Olimpiadi della capitale francese. Quella sceneggiatura è stata co-scritta da Celine Sciamma e Lea Misio , due straordinari registi a pieno titolo. di Sciamma “ Piccola mamma ” è stato presentato in anteprima al Berlino Film Festival nel 2021, ed è interessante vedere come Mysius “I cinque diavoli” gioca anche con il tempo e le relazioni madre/figlia quest'anno, ponendo domande provocatorie sulle scelte di vita mentre inietta quel tanto di soprannaturalismo per mantenere le cose interessanti.

Un altro favorito di Cannes Adèle Exarchopoulos (destinatario di una Palma d'oro unica insieme a Seydoux per 'Blue is the Warmest Colour') interpreta la madre di Vicky (Sally Dramé), una giovane ragazza che apparentemente ha il potere magico di essere in grado di distinguere gli odori. Suo padre (Moustapha Mbengue), un pompiere alto e imponente, riceve una telefonata da sua sorella Julia (Swala Emati), che è stata recentemente rilasciata dal carcere e sta cercando un posto dove stare.

Inizia così questa storia selvaggia di passato e presente, le relazioni intrecciate abbinate a un mix di presunte malattie mentali e riflessioni più mistiche. Non un solo momento dovrebbe funzionare, crollando sotto il suo stesso peso metafisico, eppure Mysius e il suo collaboratore alla sceneggiatura Paul Guilhame eseguire un trucco magico, trasformando questa amicizia e il dramma familiare in qualcosa di veramente eccezionale. Non è solo la trama estremamente ben strutturata, ma anche le ottime interpretazioni, soprattutto di Dramé. Non c'è niente di precoce nella sua performance, ed è un ingresso del tutto credibile nella mente di una giovane ragazza. È un film fantastico, emotivamente ricco e narrativamente soddisfacente.

E così finisce il mio viaggio a Cannes 2022. Decine di film, libbre di bistecca alla tartara e pasta al tartufo rimpinzati con uguale abbandono. Ho visto amici che mi mancavano da prima che il COVID colpisse e ho incontrato nuovi colleghi che spero di vedere lungo il percorso del festival. È ancora una volta un onore supremo essere associato anche solo tangenzialmente al nome Ebert in questo festival leggendario e aver trasmesso in Canada la radio in diretta dalla stanza in cui una targa di ottone segna il nome di Roger è un momento che non dimenticherò presto .

Da bambino, sognavo di arrivare un giorno a questo festival, e per questo, la mia nona edizione in 26 anni, non ho mai dato per scontato quanto possa essere davvero un evento speciale. Dall'assicurarmi i miei posti davanti/centrali in ogni sede, al ricevere un abbraccio Brett Morgen dopo la sua premiere di Bowie mentre le ovazioni risuonavano, o il compito di porre la domanda di apertura al pressore di 'Triangle of Sadness' con grande efficacia, o di sedersi su un divano a un piede da Seydoux mentre parlavamo a lungo del suo amore per Tom Cruise , sono state altre due settimane magiche, estenuanti e travolgenti trascorse in questo glorioso evento cinematografico.

Ci vediamo l'anno prossimo!