Cannes 2022: Schermagliatori, Creature di Dio, Enys Men

Con tutta l'autocoscienza che non sto scherzando mattoni per ore alla volta, o rompendomi la schiena su qualcosa di diverso dai comodi sedili imbottiti e dai divani estraibili dei megastore scandinavi mal progettati dove mi riposi un po', lasciami fare un momento comunque per dire che, sì, questa merda non è sempre facile.

Cominciamo con il deterioramento cognitivo degli effetti insidiosi del jetlag, insieme alla necessità pratica di alzarsi ogni mattina alle 7 per procurarsi i biglietti per quattro giorni. Poi guardi i film uno dopo l'altro, prendendo ognuno come la propria isola di esperienza ma sentendoti come se ogni giorno fosse pieno di sogni ad occhi aperti instabili. Diventi un po' delirante con tutte le immagini, ebbro di storie disparate che sembrano intrecciarsi nella tua stessa anima.

Quoth Norman Bates 'A volte impazziamo tutti un po''.



Fondamentalmente, questo è l'ambiente della bolla della festa, quella alimentata dallo spuntino rapidamente afferrato o, dato che questa è la Francia sud-orientale, l'occasionale indulgenza al tartufo. Con il sistema di biglietteria elettronica riportato dal COVID-a-thon dell'anno scorso, l'accesso è più agevole, ma parte della comunità è persa, dove vedresti le stesse persone tristi che cuociono sotto il sole cocente ogni giorno in base al livello del tuo badge , un seguito dagli occhi annebbiati che fungerebbe da forma forzata di contatto umano tra le visite ai mondi virtuali. L'ansia di entrare è stata sostituita da diversi livelli di terrore, e ci sono sempre modi per farsi sentire che tutto sta scivolando via, o che la grande scoperta del festival è stata inavvertitamente saltata, con ogni decisione presa o biglietto ritirato .

Eppure eccoci a Cannes. Il tempo è particolarmente glorioso quest'anno, eppure ci infiliamo in stanze buie, ancora grati per il privilegio di assistere a questa gloriosa celebrazione del cinema. Il più grande balsamo, al di là dell'estetica, è la sensazione (per quanto delirante) che siamo tornati a una forma di normalità. Negli ultimi anni abbiamo appreso cosa si potrebbe perdere, non solo in termini di coloro che sono stati colpiti fisicamente, ma anche per lo sconvolgimento sociale della disconnessione, che l'incontro casuale di persona ha un brivido viscerale amplificato dalla recente astinenza.

Ho catturato quello di Mathieu Vadepied Schermagliatori', il cui titolo inglese “Padre e Soldato” allude ai personaggi centrali. Ancorato da un'altra bella performance di Omar Sy , questo dramma della prima guerra mondiale approfondisce le esperienze di coloro di origine africana che furono lusingati se non rapiti in servizio dalle forze coloniali francesi che controllavano le loro terre, portati dalle pianure africane che chiamavano a casa nell'inferno infuocato della guerra di trincea.

Il film ha un aggancio interessante, con il dramma familiare interposto sulla catastrofe della guerra, e applaudo alle sue intenzioni di far luce su una carnagione molto diversa della storia della guerra francese. È certamente una storia poco raccontata e, sebbene il risultato finale possa essere un affare mite e mediocre, c'è abbastanza impegno per la performance e l'ambientazione provocatoria per valere la pena dare un'occhiata.

Ero meno fan di 'Caso,' Lotfy Nathan Il film d'esordio viene riprodotto anche nella barra laterale di Un Certain Regard. Adam Bessa interpreta Ali che deve tornare a casa per prendersi cura delle sue due sorelle dopo la morte del padre, dando vita a una storia decisamente prevedibile, anche se disperata, di sbarcare il lunario e spostare i propri sogni per aiutare gli altri. Mentre l'ambientazione tunisina è avvincente, è difficile essere assorbiti dalla ricerca senza scopo di Ali, con momenti di immobilità meno contemplativi di Nathan che semplicemente riempie il tempo di scorrimento del film tra le scene.

Sono anche uno dei pochi, a quanto pare, a trovarlo James Grey 'S 'Tempo di Armaghedon' un po' di confusione. Suona come scusa per un'infanzia di privilegi, tentando di fare eco a personaggi del calibro di ' Roma ” ma invece sentirsi forzato e frustrante. Anthony Hopkins offre con appropriata benevolenza e gravità, ma entrambe le cose Jeremy Forte e Anne Hathaway , bravi artisti in generale, sembrano fuori dal loro elemento qui. Hathaway in particolare sembra persa, il suo accento in qualche modo sfocia nella produzione amatoriale di ' Il violinista sul tetto ”, mentre l'interpretazione di Strong come figura paterna con sbalzi d'umore selvaggi non si accontenta mai di nulla di coerente.

Paolo ( Ripeti Michael Banks ) è l'avatar dell'infanzia del regista. Insieme al suo simbolico amico nero Johnny (Jaylin Webb), i due finiscono nei guai in classe e poi si separano quando le loro circostanze sociali cambiano. Mi sono sentito spaventato dal modo in cui tutto era ben legato insieme; Il viaggio di Johnny in particolare è bidimensionale e sconfortante.

'Armageddon Time' cerca di fare un punto politico più ampio con i suoi collegamenti con i futuri presidenti e la crescente ondata di conservatorismo del decennio, ma sembra tutto più una scusa piuttosto che un vero e proprio interrogatorio delle contraddizioni come gioco. Detto questo, un ringraziamento speciale a Andrea Polk nel ruolo del frustrato e frustrante insegnante Mr. Turkeltaub. Un veterano di 'The Marvelous Mrs. Maisel', il suo era l'unico personaggio, forse insieme a Hopkins, in cui credevo veramente, pienamente nella loro umanità e presenza.

Uno dei film più importanti che ha cambiato la mia vita è stato distribuito a questo festival nel 1996. Veniva da un paese di cui non avevo mai visto un film, un regista di cui non avevo mai sentito parlare, un attore che nessuno aveva visto sullo schermo, e non ne sapevo nulla. In tutto, in cui le interruzioni di capitolo sono state segnate con gocce di ago di artisti del calibro di David Bowie fatto esplodere al Palais, ci sono state standing ovation metà film . Non sapevo che si potesse farlo a teatro, non sapevo che un film potesse colpirmi in un modo così potente, e rimane uno dei miei momenti più belli al cinema. Il film, ovviamente, era ' Rompere le onde ” del regista danese di Lars Von Trier e ha fatto conoscere al mondo il talento luminoso Emily Watson .

Decenni dopo, è stato un piacere personale vederla presente al debutto di Quinzaine di Saela Davis e Anna Rosa Holmer è devastante' Creature di Dio .” Come nel film di Von Trier, questa è una storia di assalto e gli effetti della meschinità in un altro ambiente sferzato dal vento, e ancora una volta si basa fortemente sulla capacità di attirare il pubblico con l'interpretazione immensamente empatica e potente del suo attore protagonista.

Watson interpreta Aileen, la manager di un impianto di lavorazione del pesce locale. Ha un nuovo nipote e all'inizio sembra gestire comodamente la sua situazione. Quando uno degli ostricatori viene travolto dalla marea c'è una sorpresa durante la veglia, con il figlio assente ( Paolo Mescal ) di ritorno dall'Australia. La sua assenza non viene mai spiegata, né la causa del suo ritorno, ma pone le basi per il dramma centrale del film.

Paul cerca di rianimare alcuni letti di ostriche e lo vediamo tagliare gli angoli, insieme all'assistenza di Aileen, per far funzionare le cose. Le regole non sembrano applicarsi a Paul e i risultati del taglio d'angolo del figliol prodigo creano compromessi morali più profondi per sua madre. Quando viene stabilita una connessione con la voce chiara Sarah ( Aisling Franciosi ), si verificano momenti ancora più bui e i dilemmi si accumulano come gusci di ostrica.

Sebbene ci siano poche vere sorprese narrative nel racconto, è comunque inebriante guardare la Watson navigare tutte le emozioni del suo personaggio sul suo viso immensamente espressivo. È davvero una delle interpreti più straordinarie ad apparire sullo schermo, e se 'Le creature di Dio' non fa altro che ricordare al mondo questo fatto può già essere considerato un trionfo.

Uno degli elementi inavvertitamente comici in una sessione di domande e risposte post-proiezione per Mark Jenkin's 'Enys uomini' è stato quando ha ammesso casualmente che ci sono voluti tre giorni enormi per scrivere la sceneggiatura del film. Non togliendo nulla al risultato finale elegante, a volte accattivante, a volte irritante, è sorprendente che ci sia voluto così tanto tempo per qualcosa con non più di una dozzina di battute di dialogo o scene disparate. Il titolo si riferisce a 'Stone Island' nella lingua della Cornovaglia (' Uomini ' è pronunciato come 'Mane' o 'Main'), ed è forse meglio descritto come parte della tradizione dell'horror popolare da artisti del calibro di 'Wicker Man' in giù.

Questa è una specie di storia di fantasmi, ma non con troppi tropi di genere a cui aggrapparsi. Quando arrivano, si sentono forzati e arbitrari, quasi rompendo lo strano stato d'animo onirico con l'occasionale briciolo di paure di salto mediocri e simili inframmezzate. Semmai, si tratta dell'orrore del tempo che non è mai in grado di andare avanti, di essere bloccato in una ripetizione senza fine in cui la nostra presenza molto sedentaria si traduce in un blocco, il lichene letteralmente cresce mentre ci viene impedito di andare avanti. Come metafora del blocco del COVID, potrebbe essere odoroso e molti svaniranno sia per il suo stile non narrativo che per l'estetica arcaica alimentata dalla grana del film e il palato cromatico sbalordito in un fotogramma 4:3.

'Enys Men' è un bel film di 20 minuti che rimane oltre il suo benvenuto, ma potrebbe funzionare per altri alla disperata ricerca di film che li facciano sentire radicati nel luogo e nel tempo come il protagonista centrale, non turbati da capricci plebei come la trama o la storia convenzionale .

Come antidoto alla non narrativa, troviamo Giorgio Miller tornando a Cannes con una storia sulla narrazione stessa. “Tremila anni di nostalgia” è anche un film influenzato dal COVID, questo ancora più esplicito nel suo racconto. Eppure è anche fondamentalmente una storia di come la storia trasforma le nostre esperienze, offrendo mondi più ampi e aiutandoci a dare un senso all'universo in modi che siano sia soddisfacenti che di grande impatto.

Tilda Swinton interpreta il musicalmente chiamato Alithea Binnie, una narratologa di professione che ha evitato la maggior parte della compagnia umana per la vita della mente. Durante la spesa con un collega a una conferenza trova una bottiglia, soffiata a mano con una forza tale da incorporare il sangue dai polmoni del vetraio nell'oggetto stesso. Tali metafore deliziosamente gravide abbondano in questo racconto, dove, come previsto, questo oggetto lampada magica finisce per essere il contenitore di un Djinn ( Idris Elba | ), il dispensatore di desideri che può essere liberato solo dopo che ne sono stati richiesti tre.

Basato su un racconto di A.S. Byatt, la narrazione fornisce un interessante esperimento mentale: cosa succede quando un Djinn incontra un esperto di storie che conosce tutte le macchinazioni dei racconti dei desideri storici? Come può un imbroglione ingannare uno che conosce tutti i loro trucchi? Il risultato è meno un combattimento di ingegni che un'esplorazione delle relazioni, e alcuni elementi universali si dispiegano attraverso i racconti del Djinn.

Ci sono momenti di fioritura visiva che mostrano che Miller continua a essere un maestro dello stile. Pre-pandemia questa doveva essere un'avventura giramondo, ma la peste ha costretto la produzione a fare molto affidamento sulla riproduzione su schermo verde delle ambientazioni. Il risultato è al massimo misto, e sarebbe stato affascinante se la portata dell'artificio si avvicinasse a qualcosa del tipo ' Le avventure del barone Munchausen ”, con cui questo film ha una vaga somiglianza.

Detto questo, gran parte del film si svolge in una singola stanza d'albergo, sia Alithea che il suo padrone dei desideri seduti in accappatoio che si raccontano storie. È questa collisione di grande spettacolo e discussione intima che guida la presunzione centrale del film, la connessione tra i due ci aiuta a raccogliere messaggi genuini dai suoi momenti più grandi e roboanti.

La storia di Miller è la storia dell'amore raccontata attraverso l'amore per la storia, un film imperfetto che è comunque un gradito promemoria delle vere gioie della narrazione collettiva e condivisa. È un promemoria come qualsiasi altro da avere in un evento come Cannes.